Dez pinturas famosas que inspiraram cineastas de terror

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Conjuntos e cenários internos e externos, temas e motivos, monstros e ameaças, até diálogos e efeitos sonoros – todos esses elementos de filmes de terror foram sugeridos por pinturas famosas.

Inspirados nas obras de artistas aclamados, os diretores de filmes de terror adicionaram efeitos de áudio, visuais e dramáticos às suas próprias visões criativas, aprimorando seus trabalhos artísticos com os de mestres do expressionismo, realismo mágico, realismo, surrealismo, modernismo, romantismo e o Barroco.

Os resultados são impressionantes, adicionando riqueza e profundidade às próprias imagens dos filmes e temas do horrível e terrível.

10 Imagem de Dorian Gray


Embora ele possa não ser tão famoso quanto alguns dos outros pintores desta lista, Ivan Albright, o aclamado “mestre do macabro”, foi a escolha do diretor Albert Lewin como o artista que pintaria o retrato do protagonista de seu filme de terror The Retrato de Dorian Gray (1945), uma adaptação do romance de 1891 de Oscar Wilde.

No filme, como no romance, Gray, um belo jovem, encomenda seu retrato. Como resultado de um acordo com o diabo, os efeitos da "vida dissoluta e má" de Gray deixam suas marcas na pintura, ao invés de na própria aparência de Gray, e o réprobo vaidoso permanece jovem e bonito como sempre, apesar da passagem de tempo e sua multidão de atos vis. Embora o filme tenha sido filmado em preto e branco, Lewin filmou o retrato em cores para destacar a terrível transformação de Gray.

Na pintura a óleo de Albright, Retrato de Dorian Gray (1943-1944), Gray está envelhecido, sua testa enrugada, sua carne em decomposição cinza, seu nariz bulboso, sua boca torcida e seu rosto e mãos manchados de sangue. Ele parece bastante louco, com olhos arregalados e fixos, e suas roupas sujas e esfarrapadas, também manchadas de sangue, parecem mofadas. Os móveis da sala em que ele está também estão arruinados e não há gesso nas paredes. Rostos bizarros e formas monstruosas parecem espiar das paredes, móveis, roupas de Gray e do tapete floral sob seus sapatos gastos e manchados de sangue. Graças ao "retrato" de Albright, é claro para o público que o estado da alma de Gray é, de fato, hediondo, por mais jovem e bonito que sua forma carnal e semblante possam parecer; a pintura é uma expressão perfeita do tema do filme: o mal corrompe a alma.

9 Witches Sabbath


Ao filmar The Witch: A New England Folktale (2015), o diretor Robert Eggers, que também escreveu o roteiro do filme, se esforçou para recriar o mundo do século XVII, no qual seu drama se passa, para que a representação realista do cenário adicionar credibilidade à premissa do filme de que bruxas realmente existiram. Para este fim, ele também procurou retratar sua própria bruxa como crível.

Embora as bruxas fossem "muito mais primitivas e assustadoras" do que as pessoas hoje podem imaginar, Eggers disse, a bruxa em seu filme também deve impressionar seu público como alguém cuja existência teria realmente sido acreditada por seus contemporâneos. Por esse motivo, ela não conseguia se parecer com as versões de "contos de fadas" de bruxas. Uma maneira de garantir a precisão de suas representações da época do cenário de seu filme foi consultar "historiadores, museus e especialistas em história viva".

Eggers também se inspirou em uma obra-prima de um pintor famoso para representar sua bruxa: o sabá das bruxas de Francisco Goya em 1798. Embora o trabalho esteja "fora" da estrutura de tempo do mundo do século XVII de Eggers, é uma representação atemporal do assunto, disse o diretor, e as "melhores representações visuais de bruxas que você poderia pedir."

A pintura mostra o demônio, disfarçado de cabra, sentado ereto, os chifres rodeados por uma guirlanda, rodeado por bruxas, uma das quais oferece à figura central um bebê recém-nascido nu, enquanto outra apresenta uma criança nua e emaciada. Algumas das bruxas são mais velhas do que outras, mas nenhuma é jovem. Além da apresentação das crianças, presumivelmente como sacrifícios, uma das imagens mais perturbadoras da pintura aparece no fundo: três corpos nus de crianças pendurados pelo pescoço em um galho nu e afiado cravado no chão.

Ironicamente, embora Eggers use a pintura de Goya como um estudo de bruxas, vendo em sua representação uma apresentação realista de como elas podem aparecer, Witches Sabbath, como as outras pinturas nas seis obras que Goya devotou ao "tema da bruxaria", são vistas por críticas como “uma crítica satírica das superstições da sociedade educada para a qual. . . o pintor pertencia. ”

8 Necronomicon IV e Necronomicon V


As pinturas retocadas do surrealista H. R. Giger são obras perturbadoras, inesquecíveis e únicas, apresentando figuras biomecânicas meio-humanas e meio-máquinas; arbustos antropomórficos; monstros parecidos com enguias; fetos; formas fálicas; maquinaria; e um ser bizarro e monstruoso que inspirou a criatura extraterrestre do filme de terror de ficção científica de Ridley Scott, Alien, de 1979.

Pintando e esculpindo a criatura no set, bem como esculpindo os interiores da nave, Giger deu a Scott o que ele queria. Embora o artista tivesse preferido projetar a criatura alienígena de novo, Scott, impressionado com "a maneira única em que" as pinturas Necronomicon IV (1976) e Necronomicon V (1976) de Giger "transmitiam horror e beleza", exigiu que Giger "seguisse seus Formato." Como resultado, não apenas o público de Scott ficou aterrorizado com o alienígena de Giger, mas o artista ganhou um Oscar de Melhor Efeitos Visuais em 1980 por seu trabalho no filme.

7 O Jardim das Delícias Terrestres


Regan MacNeil, possuída por espíritos malignos, berra, além de projéteis verdes, vômito, profanação, obscenidade, blasfêmia, insultos e injúrias contra os dois sacerdotes que vieram a sua casa para exorcizar os demônios internos. O comportamento bizarro do adolescente representou um problema. Como é a voz do diabo? O diretor do Exorcista, William Friedkin e Chris Newman, que trabalhou no departamento de som do filme, encontraram sua resposta em uma fonte improvável: o famoso tríptico surrealista de Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights (1490-1510).

Porque Linda Blair, que interpretou Regan, era uma atriz criança, a voz rouca Mercedes McCambridge proferiu grande parte da linguagem chula do filme de 1971. Friedkin mostrou a pintura de Newman Bosch, apontando as dezenas de demônios no painel do tríptico que representa a visão do inferno do pintor. “É assim que a voz de Satanás deveria soar”, sugeriu Friedkin. Para criar o “elaborado. . . cacofonia de sons sugeridos pelas imagens demoníacas de Bosch, "centenas de. . . gravações ”foram usadas para criar uma mistura de“ sons diversos ”que incluíam, entre outros, os de“ pererecas coaxando e abelhas ”.

6 O império da luz


A série surreal de pinturas a óleo e guache de René Magritte, coletivamente chamada de Império da Luz (1940-1960), serviu de inspiração para uma tomada externa no filme de Friedkin. As pinturas apresentam uma cena semelhante: uma casa, rodeada por formas noturnas de árvores, arbustos e sombras, iluminada apenas por um poste de luz no gramado e uma luz em uma janela do andar de cima, está sob um céu nublado e azul durante o dia.

Como a pintura se justapõe dia e noite de uma maneira impossível, muitos consideram a cena que retrata como misteriosa – uma imagem perfeita para um filme sobre a libertação de uma garota da possessão demoníaca. A pintura de Magritte inspirou a cena do filme de Friedkin que mostra a chegada do Padre Merrin, sozinho na rua, sob um poste, fora da casa em que o diabo o espera. O céu brilhante representa o céu, a morada de Deus, talvez, enquanto a escuridão da terra, o domínio do diabo, simboliza o mal.

5 Pinturas de Amedeo Modigliani


O monstro em Stephen King's It é um metamorfo, capaz de assumir a forma do pior pesadelo de qualquer pessoa. Muitas vezes, ele aparece como Pennywise, o palhaço louco e ameaçador, mas, na adaptação cinematográfica do diretor Andy Muschietti de 2017 do romance de King, ele também se transforma em lobisomem, leproso e flautista que emerge de um Amedeo Modigliani pintando no escritório do pai do jovem Stanley Uris.

A flautista é aterrorizante porque seu rosto é incrivelmente alongado, os traços são além de assimétricos, porque impossivelmente desalinhados, e os crânios deformados parecem oscilar sobre pescoços alongados. Esse avatar específico, explicou o diretor, é “uma tradução literal de um medo muito pessoal da infância. Em minha casa, havia uma impressão de uma pintura de Modigliani que achei aterrorizante. E a ideia de encontrar uma encarnação da mulher nele me deixaria louco. ” A representação de uma figura feminina na pintura era tão "deformada", acrescentou o diretor, que lhe pareceu monstruosa. Em certo sentido, o flautista bizarro em sua versão de É como o monstro de King lhe parece; Ele assumiu a forma mais aterrorizante para o diretor, uma compreensão do pior medo da infância de Muschietti.

4 O pesadelo


Em 1781, Henry Fuseli pintou Der Nachtmahr (O Pesadelo), em que um incubus, ou demônio do sexo masculino, pousa sobre o abdômen de uma mulher adormecida vestida com uma camisola, com os braços e a cabeça pendurados para fora da cama e o resto do corpo em uma atitude sensual. A cabeça de um cavalo (pertencente à égua noturna, ou pesadelo) emerge das sombras densas do quarto.

Em 2015, a famosa pintura inspirou o motivo do filme homônimo, dirigido por Akiz, pseudônimo de Achim Bornhak: a protagonista do filme, Tina dorme com a hedionda criatura demoníaca a seu lado. Ela está imaginando sua presença? Ela é a única que vê isso?

Real ou imaginária, como a entidade se relaciona com a Tina, e o que ela representa? Parece que Bornhak é propositalmente ambíguo sobre o significado da criatura e, portanto, o tema de seu filme. O ser parecido com um feto poderia representar a loucura incipiente de Tina. Isso poderia simbolizar seu afastamento de seus colegas. Pode sugerir o medo de rejeição de Tina.

As alusões do filme a 2001: Uma Odisséia no Espaço de Stanley Kubric e a sua Laranja Mecânica; ao místico poeta romântico inglês William Blake; e, claro, a pintura de Fuseli parece frustrar a interpretação tanto quanto pode oferecer pistas sobre o significado do filme, o que faz os críticos se perguntarem, ainda mais, quais seriam as intenções de Bornhak. Talvez, o significado do filme dependa das próprias interpretações do público.

3 Casa perto da ferrovia


Conhecida por milhões, a casa vitoriana de Norman Bates, isolada, na colina com vista para seu motel isolado, é uma das partes mais inesquecíveis do cenário da macabra obra-prima de 1960 de Alfred Hitchcock, Psicose. Muito menos estão aptos a saber que a inspiração para esta casa de horrores é a pintura de 1925, Casa da Ferrovia, do célebre Edward Hopper.

O Museu de Arte Metropolitana de Nova York descreve a residência da pintura como "uma grande casa vitoriana, sua base e terreno obscurecidos pelos trilhos de uma ferrovia (que) criam uma barreira visual que parece bloquear o acesso à casa, que está isolada em uma paisagem vazia. ” É exatamente esse clima que a casa de Hitchcock no topo da colina cria. Em vez de convidativa, a casa é proibitiva. Ele existe não como parte de uma comunidade maior, mas, em vez disso, está isolado e sozinho; ela isola seu residente do mundo maior, permitindo a Bates viver em uma realidade imaginária de sua própria invenção, um mundo que prova ser um mundo tanto de solidão quanto de loucura.

2 Susanna e os Anciões


Outras pinturas além da de Hopper também inspiram um dos cenários de Psycho, a sala atrás do escritório de Bates no motel. De acordo com um trailer do filme, o próprio Bates descreve a sala como seu “local favorito”. Apontando uma das pinturas na parede da sala, ele começa a explicar seu "grande significado", mas não consegue terminar seu pensamento. A pintura é uma impressão de Susanna and the Elders de 1731 de William van Mieris, que tem mais do que um propósito meramente decorativo ou estético; ele cobre o olho mágico através do qual Bates espia Marion Crane.

A própria pintura lembra o décimo terceiro capítulo de Daniel na Bíblia Católica (o livro de Susanna nos apócrifos protestantes), no qual Susanna, uma jovem ereta, é espionada pelos mais velhos enquanto se banha. Quando ela recusa suas exigências de fazer sexo com eles, eles colocam em risco sua reputação e sua vida, mentindo sobre a terem pego em flagrante adultério. A presença da pintura, portanto, cria uma alusão que ressalta os paralelos entre a situação de Susanna e a de Crane, intensificando o suspense do filme. Também envolve o público do filme, que, como os mais velhos da pintura e o próprio Bates, também "espionam" Crane enquanto ela toma banho.

1 Vênus com um espelho


A sala atrás do escritório do Bates Motel também exibe a obra-prima de Ticiano, Vênus com um espelho, em 1555. Voluptuosa, a deusa seminua se senta, seu braço direito e parte inferior do corpo envolto em veludo vermelho, olhando em um espelho erguido para este propósito por um Cupido alado. Uma segunda atendente semelhante segura um espelho de mão atrás da cabeça, para que ela possa se examinar atrás e também na frente. Seu olhar extasiado sugere que ela está satisfeita com o que vê.

Como Katrina Powers observa, em sua discussão sobre a pintura no The Journal of American Culture, "Ela leva a mão esquerda até o peito, talvez para admirar a pulseira e o anel de ouro que a adornam", já que ela também considera se a joia é uma boa combinação para "seus brincos de pérola e as decorações de ouro e pérolas que ela usa em seu cabelo loiro". De forma alguma, seu braço levantado deve ser interpretado como "protegendo sua nudez", declara Powers, pois é, mais provavelmente, "uma das muitas poses" que ela faz enquanto contempla "sua própria beleza".

Na exibição do retrato de Vênus ao lado daquele da pintura de Susanna, os críticos viram vários significados, incluindo “a conexão entre voyeurismo, desejo e violência” (Donald Spoto); “Voyeurismo, acusação injusta, inocência corrompida, abuso de poder, segredos, luxúria e morte” (Erik Lunde e Douglas Noverr); e “uma fantasia de estupro” (Michael Walker). Pode ser, também, que, para Bates, Marion represente a tentação da sexualidade feminina que sua “mãe” o proíbe (Vênus) e o desejo de se render a essa tentação, através do voyeurismo (Susanna) que termina em violência e morte para Marion , a personificação desses impulsos e necessidades conflitantes.

Fonte: List Verse

Autor original: Jamie Frater