Os 10 melhores músicos que estavam à frente de seu tempo

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Procurar histórias de origem musical geralmente é uma busca incessante pela história. A arte raramente é criada no vácuo, o que significa que os músicos – por mais originais que sejam seus trabalhos – são inerentemente influenciados por outros que vieram antes deles. Até as músicas mais recentes são, através das experiências de seus compositores, uma homenagem em parte.

Existem, porém, alguns músicos que se destacam como pioneiros – cujos talentos especiais ou estilos contrários aos grãos se tornaram pontos de premonição para onde a música estava indo. Se isso significa promover um gênero incipiente ou incorporar novas técnicas e instrumentos aos já existentes, aqui estão dez exemplos de músicos à frente de seu tempo, em ordem cronológica.

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10 Charlie Christian Eletrifica Jazz


Benny Goodman, o clarinetista de jazz cujas habilidades de líder de banda lhe rendeu o apelido de "O Rei do Swing", não estava convencido. Em 1939, seu grupo estava entre os mais populares nos EUA, e ele não estava interessado em consertar algo que não estava quebrado. Então, quando um associado pediu que ele considerasse adicionar um jovem músico talentoso – um aficionado pela guitarra elétrica deles -, Goodman ficou desinteressado.

Felizmente para os fãs de jazz, o caçador de talentos John Hammond insistiu. Durante uma pausa em um show em Beverly Hills, Hammond, o mais clandestinamente possível, colocou Christian no palco e na banda. Quando Goodman percebeu, ele começou a tocar um cantinho chamado "Rose Room" que ele supôs que Christian não sabia. Ele estava errado, e o lamento épico que se seguiu fez de Christian um membro da banda e, logo depois, a guitarra elétrica foi um dos pilares populares do jazz, começando no início da década de 1940.

"Rose Room" e "Voo Solo”, Outra peça importante de Christian com a Benny Goodman Band, exibiu o tipo de balanço intuitivo e corridas fluidas de uma nota que vieram definir a contribuição da guitarra elétrica para o gênero. Notavelmente, seu toque também era decididamente parecido com um chifre, tanto que as pessoas que o ouviam (mas não o viam) tocando muitas vezes pensavam que ele estava tocando saxofone.(1)

Infelizmente, Christian não testemunhou a grande influência que ele teria no jazz. Ele morreu em 1942, de tuberculose, com apenas 25 anos de idade.

9 John Fahey: simplicidade complexa

A música do guitarrista John Fahey foi além do original e único; era totalmente estranho. O equivalente auditivo da noite de sobras, seu estilo basicamente jogava tudo em uma panela, fervia seus sabores díspares um no outro e servia. Começando com uma base de folk e blues – na verdade, o estilo de Fahey foi descrito como American Primitive,2) um termo cunhado para definir um estilo autodidata e minimalista, proeminente nesses gêneros – sua música incorporava tudo, desde ragas orientais e psicodélicos cósmicos até notas funerárias clássicas e assustadoras modernas.

Apesar das inúmeras influências, o som em si era oximoronicamente simples: às vezes inventado no local, o brilho de Fahey geralmente tocava em um violão não acompanhado de cordas de aço. As complexas e graciosas improvisações, que Fahey alega incorporarem elementos psicológicos e espirituais, fizeram muitos o verem como um dos fundadores de um subgênero conhecido como música da Nova Era.(3)

Fahey, o homem, era tão estranho quanto Fahey, o músico. Seu sombrio senso de humor incluiu a adoção de um alter ego, Blind Joe Death (que também foi o título de seu álbum de estreia em 1959) e o hábito de títulos de músicas esquizofrênicas como "A Valsa que Nos Levou e Depois Um Mosquito Veio" Comeu minha namorada.

8 James Jamerson: o baixista elétrico que impulsionou a Motown

"James quem?" você pergunta? James Jamerson: o pioneiro do baixo elétrico há muito anunciado que, junto com sua banda de estúdio, The Funk Brothers, tocou em mais discos de sucesso nº 1 do que os Beatles, os Rolling Stones, os Beach Boys e Elvis Presley … juntos.4)

Você pode não reconhecer o nome de James Jamerson … mas reconhece James Jamerson. Pense no riff de baixo que abre "Você não pode apressar o amor", do The Supremes, ou "My Girl", do The Temptations. Aquele ritmo bonito e estrondoso que possui o palco sonoro antes que o cantor comece a cantar … esse é James Jamerson.

Antes de vir para a Motown, Jamerson era um jogador de jazz – um gênero em que aperfeiçoou um estilo de jogo corajoso e enérgico que ajudou tantos sucessos a aparecer nas ondas de rádio. Por mais prolífico que tenha sido talentoso, Jamerson foi destaque em uma ampla variedade de hits do auge da Motown, mas, segundo o hábito da gravadora de manter seus músicos nas sombras, nem foi listado em um álbum até que a mega-estrela Marvin Gaye se certificou de receber crédito para "O que está acontecendo”.

Jamerson foi um dos primeiros a desviar-se de seus contemporâneos que tocavam baixo, que geralmente mantinham raízes e quintos mais convencionais.(5) Ao percorrer um território harmônico mais aventureiro, Jamerson criou linhas de contraponto com os vocalistas – uma inovação que levou ao seu merecido apelido: The Hook.

7 Black Sabbath: pioneiros do metal transformaram megastars


É tentador interpretar a popularidade contrária e contornar Ozzy e seus colegas de banda para obter alguns exemplos misteriosos de headbangers agora obscuros. Mas, às vezes, os que o fizeram primeiro o fizeram bem o suficiente para se tornarem mega estrelas; foi o caso do Black Sabbath. Enquanto riffs de guitarra e canto de gritos existiam antes de 1970 – Jimi Hendrix, The Who – foi o Black Sabbath que, segundo o jornalista de música Noah Lefevre, "mostrou ao mundo o que era metal".(6)

O álbum de estréia auto-intitulado do grupo – lançado em 13 de fevereiro de 1970 (intencionalmente ou não, na sexta-feira) – alcançou o top 10 na parada de álbuns do Reino Unido e chegou ao 23º lugar na parada de álbuns dos EUA. De fato, o álbum fez tão bem que seu acompanhamento, Paranoid, foi adiado porque seu antecessor ainda estava vendendo.

Valeu a pena a espera: de acordo com Steve Huey, da AllMusic, Paranoid – que apresentou sucessos lendários "Iron Man" e os anti-Vietnam "War Pigs" – foi "um dos maiores e mais influentes álbuns de heavy metal de todos os tempos", que " definiu o som e o estilo do heavy metal mais do que qualquer outro registro na história do rock. ”

O sucesso comercial imediato do Black Sabbath ficou ainda mais impressionante, porque, de maneira bem adiantada, o trabalho inicial da banda recebeu críticas negativas de muitos críticos de música. Isso incluiu a Rolling Stone, que ignorou completamente o ponto do gênero nascente ao chamar o álbum de estréia de "discordante", "acelerado" e "nunca encontrar sincronia". Bem, duh.

6 Kraftwerk: música dos anos 80 nos anos 70

Muitas épocas têm atos que pareciam prever o rumo da música. Um bom exemplo é a R.E.M., uma banda que surgiu no auge do glam rock dos anos 80 com uma vibe alternativa que aponta tendências. No entanto, a banda alemã Kraftwerk pode ser o exemplo mais marcante da clarividência que antecede a década, não por causa de seu talento exagerado, mas pela época em que o fizeram.

Em 1978, o disco era rei, e uma contracultura musical compreensivelmente enojada gravitava o punk rock como seu oposto polar; você não pode se distanciar muito mais do que The Bee Gees e The Ramones. No meio, havia uma mistura de nova onda e rock tradicional. Ninguém estava realmente capturando aquele cartão de visita notável dos anos 80: pop brega e alegre.

Os anos 70 realmente não tiveram um momento de dança de segurança: um sucesso idiota, mas estranhamente atraente, fornecendo um sneak peak do pop brega dos anos 80. Mas tinha o Kraftwerk – que, apesar do sucesso comercial mediano na melhor das hipóteses,(7) são considerados pioneiros da música eletrônica. Acima está uma jóia particularmente estranha de 1978, chamada Die Roboter.

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5 Blondie: Herói do Hip-Hop?


Como a maioria dos gêneros, o hip-hop tem muitos pioneiros ao longo do caminho, do underground ao mainstream. Indiscutivelmente, a mais proeminente dessas influências foi uma música que, em 1979, ajudou a dar nome ao gênero; esse foi o "Rapper's Delight", de Sugarhill Gang, cujo riff de abertura enviou fãs às lojas de discos pedindo "aquela música do 'hip hop'". O hino alcançou o número 4 na parada da Billboard e foi elogiado pela US National Public Radio como uma das músicas mais influentes do século XX.(8)

Uma fã menos provável da chama incipiente do hip-hop era uma garota branca chamada Debbie Harry, vocalista da banda punk que virou nova onda, Blondie. Curiosamente, Harry realmente tinha uma conexão com o Rapper's Delight: em 1978, Blondie estava se apresentando com o grupo de funk Chic em Nova York quando vários membros da Sugarhill Gang começaram a freestyling sobre o "Good Times" de Chic, cujo baixo se tornou a batida da música de rap.

No ano seguinte, Blondie lançou "Rapture", creditado como o primeiro grande hit de hip-hop a usar músicas originais(9) em vez de batidas amostradas. Alimentado pelo canto sonoro de Harry, Rapture também se tornou a primeira música nº 1 a incorporar um elemento do rap.

Infelizmente, as habilidades de mestre de cerimônias de Harry fazem o Vanilla Ice parecer Biggie Smalls. Por songfacts.com,(10) "O rap de Harry é tão pateta que parece que ela pode estar zombando do gênero". No entanto, durante os primeiros dias do hip-hop, o tipo de letra simples e aleatória como o "homem de Marte comendo carros" de Harry era típico da arte ainda em evolução.

4 Schoolly D


Cinco anos depois de Blondie rebentar rimas memoráveis ​​como “e você entra no seu carro e dirige muito longe”, Jesse Bonds Weaver Jr., nascido na Filadélfia, também conhecido como Schoolly D, deu ao hip-hop um tom mais ousado que refletia melhor a vida de minorias urbanas na América. Misturando realismo empobrecido com violência, uso de drogas e uma pitada de bravata sexual, o Schoolly D é considerado por muitos o Pai Fundador do rap gangster.

Entre o trio de singles do álbum de estréia de 1985 do Schoolly D, estava "P.S.K." O que isso significa?" Significava Park Side Killas, uma gangue de rua à qual a Schoolly D era afiliada. De uma maneira narrativa agora arraigada no gênero, o Schoolly D convida os ouvintes enquanto ele fuma maconha, transa e ameaça atirar em um "sucka-ass n-gga" tentando chutar rimas tão frescas quanto as dele.

Vários rappers gangster nomeiam Schoolly D como uma inspiração importante, incluindo Ice T, Public Enemy e N.W.A. No entanto, enquanto o assunto estava adiantado, as habilidades de rap do Schoolly D não eram; típico de meados da década de 1980 – ainda muito na infância do hip-hop -, suas músicas compreendem em grande parte rimas simples, muitas vezes cadenciadas, que não se sustentam em lendas como Ice Cube, Biggie Smalls e Tupac Shakur, que logo aceitariam o gangster para o mainstream. O Schoolly D gravou um total de oito álbuns, nenhum dos quais alcançou sucesso comercial.

3 Edie Brickell: Seattle pelo caminho do Texas


Talvez a prévia mais não ortodoxa do som de Seattle dos anos 90 tenha sido fornecida por uma mulher do Texas. Em 1988, a banda de rock alternativo Edie Brickell & the New Bohemians lançou seu segundo álbum, Atirando elásticos nas estrelas. O álbum alcançou o 4º lugar nos EUA, e seu single principal, "What I Am", alcançou o Top 10 na Billboard dos EUA.

Filmar Rubberbands não é exatamente grunge, mas certamente não é metal ou glam rock. Ele se orgulha de ter um gênero sem gênero entre seus contemporâneos, um álbum que vale a pena dizer "talvez possamos ser um pouco mais discretos e estarmos bem vestidos aqui". O vídeo de "What I Am" reforça esse frio refrescante, apresentando Brickell brilhando em um estágio simples, sem os cabelos provocados, roupas com padrão de leopardo e pirotecnia comuns aos vídeos daquela época.

Embora certamente pioneira, Brickell e sua banda tiveram boa companhia. Nesse mesmo ano, a banda de Perry Farrell, Jane's Addiction, lançou seu primeiro grande álbum de estúdio, Nothing Shocking, apresentando o clássico hit "Jane Says". Enquanto isso, o Red Hot Chili Peppers, apesar de ainda não ter sucesso comercial, havia lançado três álbuns em 1987.

2 Raiva contra a máquina: o hip-hop encontra o hard rock


Como Black Sabbath no gênero heavy metal, Rage Against the Machine é a primeira e melhor banda que seu gênero, rock-rap, já viu. É claro que, considerando seus concorrentes nesse gênero de mashup, incluem o Limp Bizkit e o Lincoln Park, inspirador de fones de ouvido, que não é exatamente uma afirmação controversa.

Com batidas derivadas do funk, a proeza de guitarra de sempre de grande calibre de Tom Morello(11) e o zangado reality show do vocalista Zack de la Rocha, o RATM soou diferente de tudo antes, tão relevante quanto qualquer banda durante sua década de execução, e bem melhor do que qualquer outra banda que tenta combinar rock e rap desde então. Lançado no final de 1992, no auge da era do grunge – e quando jovens brancos estavam começando a comprar música em massa – o álbum de estréia auto-intitulado da banda chegou ao número 1 na Billboard dos EUA devido à força de hits como “Killing in o nome ”,“ Bullet in the Head ”e“ Take the Power Back ”.

Não era apenas o estilo da banda que se afastava dos Nirvanas e Pearl Jams do mundo. Em meio a um mar de música alternativa voltada para o interior e violento rap de gângster, o cartão de visita da RATM era um vitríolo, com o jogo de palavras inventivo de de la Rocha lançando veneno contra o tratamento do governo dos EUA por minorias (especialmente os nativos americanos), ganância corporativa e supremacia branca. O RATM influenciou muitas bandas associadas ao subgênero "Nu Metal", popular em meados do final da década de 1990, principalmente o Korn.

1 Mann vs (Music) Machine


Aimee Mann pode ser a melhor música feminina da qual as pessoas nunca ouviram falar. Depois de partir até a terça-feira como uma nova vacilação de cabelos espetados no espírito de Cyndi Lauper, Mann se interessou pelo folk-rock e pelo interior da música; seus dois primeiros álbuns solo, "Whatever", de 1993, e "I'm With Stupid", de 1995, receberam elogios da crítica, mas não de sucesso comercial.

Mann então fez algo verdadeiramente inovador: ela disse a três grandes gravadoras – Imago, Geffen e Interscope – para irem para o inferno, e não apenas viveu para cantar a história, mas também aumentou significativamente sua popularidade. Ela tornou-se, pelo Washington Post, seu próprio Mann,(12) uma rebelde de light-rock que começou a atrair tanto público por seu desafio ao chá-do-porto quanto por sua habilidade como cantora / compositora.

Em 1999 – no mesmo ano em que fundou sua própria gravadora, Superego – Mann foi indicada ao Oscar de "Save Me" (acima), da trilha sonora do filme Magnólia. Desde então, ela lançou sete álbuns solo e, desafiando o Father Time e as convenções, melhorou com a idade: seu último lançamento, Mental Illness, de 2017, ganhou um Grammy de Melhor Álbum Folk.

Apesar de gravar exatamente zero dos dez melhores hits(13) em sua carreira, Mann, que completa 60 anos neste ano, ainda vende salas de concerto em sua terra natal nos EUA e no exterior – um exemplo raro de uma artista feminina prosperando, apesar de desrespeitar a máquina de música moderna.

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Christopher Dale

Chris escreve artigos para os principais jornais diários, peças de paternidade para Parents.com e, por não ter razão, ensaios para publicações sobre saúde mental e sobriedade.

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Fonte: List Verse

Autor original: JFrater